Ils ne mouraient plus...

ORIGINES DU PROJET

En 2011 mon grand père était victime d'un AVC. Après un séjour à l'hôpital il s'est retrouvé en maison de retraite avec soins intensifs. J'ai découvert que finir sa vie dans la dépendance est l'une des choses les plus terribles qui puisse arriver à un être humain. En tant que metteur en scène cette expérience à orienté mes réflexions vers une série de questionnements et je me suis intéressée de façon plus globale à la place des vieux dans les familles et au sein de notre société.

Je ne parle pas de la tranche d'âge des séniors qui vivent dans l’obsession de la jeunesse, ces vieux jeunes, qui nous font oublier les autres. Je parle des vieux « vieux ». Ceux qui ne sont plus dans la course à la production et à la consommation. Aujourd’hui, l’idée de vieillesse est connotée négativement. Elle n'évoque plus nécessairement la sagesse ni le respect. Notre société nous renvoie à l'idée que ces vieux ne « valent » plus rien. Ils sont dépendants. Dépendants de qui, de quoi ? Le thème de la dépendance est une préoccupation forte et de plus en plus actuelle en France et dans la majeure partie des pays occidentaux. Vieillir est devenu plus effrayant que la mort elle-même. La question de la dépendance est bien sûr politique, économique et sociale, que faire, comment, avec quels financements ? Mais en tant qu'artiste, ce qui m'intéresse, c'est de questionner la dimension civilisée du genre humain, pour tenter de comprendre une certaine dérive anthropologique et réfléchir à ces questions : Quelle humanité voulons-nous être ? Et quelle société sommes-nous pour ne plus savoir quoi faire de nos vieux ?

En tant qu’auteur et metteur en scène, aborder ces questions dans un spectacle est devenu une nécessité. Alors, je me suis mise en quête d'une pièce à monter. J'ai cherché des textes contemporains qui traitent du sujet. Je n'en n'ai pas
trouvé beaucoup et quand j'en trouvais, je n'aimais pas le côté didactique ou moraliste voir même culpabilisant de certains, jusqu'à ce que je découvre le texte « Los Opas » de l'auteur argentin Daniel Dalmaroni qui traitait du sujet avec un humour tragique et un cynisme qui m'ont emballés. Il s'agit d'un conte cruel sur la vieillesse, qui pose avec humour noir la question de l’euthanasie sociale des vieux.
J’ai été séduite par les personnages, le ton des dialogues et l'humour très argentin de son texte, et pourtant, j’avais envie de raconter différemment cette histoire, de l’amener ailleurs… J'ai osé écrire à l'auteur pour lui demander de
traduire et d’adapter sa pièce, en lui racontant l’histoire que son texte m’avait fait fantasmer, mon désir d’aller vers une forme d'écriture plus déstructurée dans son rapport au temps, d’aller vers d'autres territoires, et d'utiliser d’autres moyens
expressifs qui me permettraient de dépasser le réalisme pour révéler la poésie de ce drame familial. Il m’a donné carte blanche.
Sophie Gazel

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Les arts du cirque au centre du dispositif dramatique.
Pour faire des allers et venues rapides entre le réalisme et le surréalisme, je souhaite faire se croiser différentes disciplines artistiques qui vont participer pleinement à la dramaturgie, les arts du cirque avec une contorsionniste qui prendra à certains
moments la place de la mère quand le corps est de plus en plus chosifié et qu'on en oublie même qu'il s'agit d'un être humain. Acrobaties et cascades lors des tentatives de meurtres et les échecs qui s'en suivent et qui vont me permettre de revisiter le burlesque.
L’intégration de ces disciplines artistiques augmente le potentiel narratif, cela me donne la possibilité de susciter l’effroi en jouant sur la reconnaissance du corps de la comédienne et la vraisemblance de sa destruction. Au moment où l’on rit on est aussi ému, indigné et traversé par des prises de conscience. «Comment peuvent-ils faire subir cela à leur vieille
mère ?! »
La poésie naît du surréalisme des scènes, au gré des mutations corporelles de la Mama qui passe toujours par le filtre du regard de ses trois enfants (leurs hésitations, leurs prises de décision, leurs remords, leurs déterminations…) Tour à tour, le corps devient objet encombrant tel un boulet (malade, vieux, cloué à son fauteuil), objet nostalgique (travail vidéographique, projection du corps jeune de la Mama, évocation du temps qui passe), objet indestructible (la chute dans les escaliers et celle de la bibliothèque qui s'écrase sur la Mama) et enfin objet désintégré (le cauchemar d'Ernesto et la répétition de
l’étranglement de la Mama sur un traversin qui termine en un nuage de plumes)...
Le spectateur devient un témoin privilégié, il assiste impuissant aux outrages et à la transformation du corps en objet. C’est par ce procédé que se déploie l'humour noir et le burlesque.

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Humour noir et burlesque
Le burlesque est l’art des accidents, « des ratés », des catastrophes, des petits et des grands déséquilibres. Dans notre lutte quotidienne pour l’équilibre nous savons à quelle précarité nous sommes soumis. Le drame est de ce fait, l’endroit idéal pour le
déploiement du burlesque.
Ernesto, Ana et Mario ne sont pas des professionnels du crime. Les différents « ratés » et leurs maladresses dans l'élaboration de leurs plans (cf : la répétition du crime avec le traversin) nous font rire autant qu'ils nous indignent. Le burlesque naît ici du
décalage entre le comique et le tragique ou pathétique.
L’humour noir n’a pas de tabou, c’est même son terrain de prédilection, il peut notamment évoquer avec détachement, voire avec amusement, les choses les plus horribles ou les plus contraires à la morale en usage. Ce qui m’intéresse c’est d’établir un contraste entre le caractère bouleversant et tragique des plans d’Ernesto, d’Ana et de Mario pour éliminer leur mère et la façon dont ils en parlent avec détachement et méthodologie.

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Traitement du temps
Le temps de l'attente.
L'atmosphère de la pièce est déjà pressentie dans les toutes dernières paroles d'Ernesto dans la première scène : « Nous aussi on attend, nous aussi on attend ».
Mon travail de mise en scène sera entre autres de rendre perceptible et palpable cet arrêt du temps et l'attente de la mort. Si ce n'est celle de la Mama, de toute évidence ce sera celle de ses enfants. Ernesto n'a plus de vie à lui, il attend de retrouver le sommeil. Mario n'a plus rien, il a tout vendu, il attend de pouvoir repartir à zéro. Ana n'a plus d'âge, le temps s'est arrêté pour elle.
L’appréhension du temps est donc un des enjeux du spectacle.
Pour le matérialiser, j’ai créé de nombreux allers retours entre le passé et le présent des personnages. Avec la distorsion du temps, je nourris le tragique de cette histoire. Convoquer la mère sur scène âgée et dépendante dans son fauteuil roulant et quasi simultanément la faire « revivre » comme elle était « jeune », me permet de faire apparaître en filigrane la nostalgie, non seulement la sienne mais aussi la nostalgie de ses enfants.
Cette alternance et parfois même cette juxtaposition, sur le plateau, des personnages à différents âges de leurs vies me permettent aussi de témoigner de ce qu'est devenu leur quotidien: un éternel présent sans avenir, tant que la mort ne les délivre pas. Si le monde et la vie sont en perpétuel mouvement, Ernesto, Mario et Anna n'y participent plus.