Note de réalisation

105 explore la beauté comme tyrannie intérieure. Marc, prisonnier de son corps et d’un idéal inaccessible,tente désespérément d’atteindre l’image d’un bellâtre figé sur une photo.

Le chiffre sur la balance — 105 — devient le symbole d’une guerre invisible : celle de la chair contre l’image, du réel contre l’apparence.

Les références cinématographiques de 105 sont The Big Shave (Martin Scorsese), Seven (David Fincher) et Chernobyl.

Image et textures

L’image doit traduire la tension entre réalité brute et perfection fantasmée.

Nous tournerons avec les optiques fixes Leica soviet, avec une faible profondeur de champ, afin d’isoler Marc dans son cadre, un corps piégé dans sa bulle mentale.

Le grain sera marqué, inspiré des pellicules Kodak Vision3, pour rappeler la matière du corps : imparfaite, vivante, indocile.
Des halations rouges contamineront les surfaces brillantes ou chromées, donnant une perception diluée du réel — surtout autour des zones mouillées — jusqu’à l’explosion finale du miroir. Une légère diffusion du flou dans les hautes lumières donnera à l’image un aspect velouté et imprécis, comme si la réalité perdait sa netteté à mesure que Marc s’enfonce dans l’obsession. Ce flou sensoriel traduit sa perte de repères : son corps et son esprit se dissolvent dans la lumière, rendant sa chute d’autant plus intime et humiliante.

Enfin, le liquide non maîtrisé — eau, sueur, larmes, sang — sera un motif récurrent. Autant de traces d’un corps qui souffre, qui suinte, et qui permettront à la moiteur ambiante de devenir une atmosphère presque organique, rendant l’air épais, visuellement poisseux — comme un aquarium.

Symétrie et mise en scène

Le film s’ouvre et se clôt dans la salle de bain, espace intime devenu théâtre de la honte. La balance et la photo du modèle reviennent comme des motifs obsessionnels, jusqu’à être détruits par excès d’épuisement visuel. Chaque plan adoptera une géométrie frontale et symétrique, froide et clinique, que seule la chair de Marc vient troubler. Le cadre devient un instrument de contrainte, un prolongement du contrôle que Marc s’impose. La mise en mouvement de la caméra accompagnera la dérive
psychique de Marc. 

Les premières séquences seront filmées à la dolly : des mouvements lents, précis, presque chirurgicaux, traduisant la
rigidité et la volonté de contrôle du personnage. À mesure que Marc s’épuise, la caméra se libère : les plans au steadicam deviennent plus organiques, comme s’ils respiraient avec lui. Dans les moments d’effondrement, la caméra gardera son approche rigide pour accentuer le malaise de plus en plus présent face à un homme qui se détruit : une immersion froide, millimétrée dans la confusion et la dépression, du contrôle à la désintégration.

Lumière et colorimétrie

La lumière évoluera du froid métallique (bleus, gris, blancs) vers une chaleur maladive, comme une montée fiévreuse vers la perte de contrôle. La salle de bain, lieu de vérité, sera éclairée d’une lumière dure et verticale. La cuisine, espace de tentation et de honte, baignera dans une lumière plus douce, cyan avec des hautes lumières chaudes, presque malade.

Son et rythme

Le son incarne la violence intérieure de Marc : respiration, mastication, gouttes d’eau, frottements de peau contre la
céramique. Chaque bruit devient une pulsation organique. L’univers sonore sera étouffé, amplifié, interne, comme si l’on percevait le corps de Marc de l’intérieur. L’absence de musique accentue la tension entre silence suspendu et décharges sonores : bip de la balance, souffle coupé, verre brisé. Le film se vit comme un battement irrégulier — celui d’un coeur à bout de souffle.

Conclusion

105 est une descente sensorielle et muette dans l’intime, le cri sans mots d’un homme dévoré par le regard qu’il porte sur
lui-même. Un film cru et stylisé, où la beauté visuelle révèle, paradoxalement, sa propre cruauté. La perfection devient un
piège, et chaque reflet, une blessure.

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