À quand la mer ? De Manuel Durand

UN MOT DE L’ACTEUR/CREATEUR MANUEL DURAND

Bien sûr, j’essaie de penser ce que je suis entrain de faire comme théâtre, de nourrir et de mûrir ma réflexion, j’ai même posé les premières pierres d’un travail qui, comme je l’ai écrit sur le site de ma compagnie : « commencerait depuis un territoire inconnu pour venir nous parler » mais la vérité c’est que plus je me triture les méninges, plus j’écris de notes, de pages sur ce théâtre en construction, plus il m’échappe.

Ce que je peux dire de la création « A quand la mer ? » c'est qu'elle parle à l’enfant ou à l’adolescent que nous avons été et qui vit toujours en nous, qu’il soit blessé, heureux ou bien malheureux, qu’il nous fasse des misères ou des tours de passe-passe, qu’il nous berce de rêves et d’illusions ou qu’il ait depuis longtemps déserté notre esprit comme le lapin du chapeau.

Nos sens émoussés par nos éreintantes vies d’adultes, retrouveraient ici – j'emploie le conditionnel, rapport à ce fragile présent qu'il nous faut chaque fois réinventer sur scène – une aire de jeu ou se rejouent les souvenirs, un espace ou nous les rappeler dans une réalité "ni dogmatique, ni insignifiante" (pour reprendre les mots de Roland Barthes), mais densifiée, magnifiée.

L’enfance est une piste. D'autres thèmes traversent la pièce ; la famille, Le voyage, le temps, le manque, le lâcher prise… Autant de portes d'entrée qui invitent à sortir de soi, à se projeter dans cette histoire qui se rappellerait à la notre, un zoom au microscope sur l’universalité de nos affects.

La mise en scène

Les acteurs, la créatrice lumière et moi-même, nous prenons ensemble la notion d'espace, la dimension du lieu dans lequel nous allons pouvoir déployer la pièce. Le travail va bel et bien être celui-ci : visiter toutes les potentialités de la pièce en s'appuyant sur l'espace tel qu'il est. Tout peut jouer dans un théâtre : le hall, les gradins, le sol, les murs, la profondeur du plateau... Rapidement la construction de nouveaux espaces se fera par la présence de quelques éléments de décor ou accessoires et par la circulation des acteurs. Le mot d'ordre sera toujours d'essayer, d'oser, de tenter, même si cela parait énorme ou à côté car l'expérience du plateau donne toujours de nouvelles clés, dont nous n'avons pas nécessairement tout de suite conscience mais qui ouvrent pour d'autres moments dans la pièce de nouvelles perspectives d'exploration. L'échec n'existe pas dans le temps des répétitions, l'échec ou la réussite ne nous concernent pas. Certes on peut passer d’un tableau à l’autre, d'un lieu à un autre lieu, d'une époque à une autre époque en utilisant le noir plateau mais ici l’idée n’est pas tant de passer d’une scène à l’autre avec fluidité pour maintenir aussi vivant que possible le fil du récit, mais de concevoir ces changements comme des articulations qui rendront perceptibles ces mouvements de la pensée et du cœur. Elles instaureront entre les spectateurs et le spectacle une forme de contrat: « Regardez bien ce qu'il se passe (on ne vous cache rien ou si peu), regardez bien comment ça se passe, comment on raconte. Nous avons construit un pont entre vous et le récit fait d'images et d'impressions, où l'espace et le temps oeuvrent ensemble à faire sens. »

Un travail important d’ambiances sonores et de contrastes des lumières viendra renforcer l’atmosphère ainsi créée et faciliter la plongée du public dans l’univers du récit. La vidéo (projection de films, de phrases) sera un élément qui apportera une autre dimension à l’histoire. En effet, ces éléments - musiques, sons, images, films - loin de vouloir illustrer le propos, vont dynamiser l’imaginaire, générer des idées, d’autres images, et au final, de nouveaux récits.

Les costumes garderont un pouvoir évocateur pour permettre aux acteurs des changements aisés pour le passage d’une période à l’autre.

Le travail avec l'acteur

C’est la sensibilité de ce dernier qui m’intéresse. Partir de lui, l'amener à "être" ou du moins à ce qu'il joue au présent. L'acteur doit rester concret, même s'il veut parler aux étoiles, elles l'éclairent déjà, il n'a pas à s'en soucier. Je n'aime pas trop l'expression "Diriger un acteur". Pour moi, on travaille avec lui et cela commence par une écoute totale de ce qu'il propose. Je dois clairement avoir en tête l'enjeu de la scène pour accueillir les propositions du comédien. C'est lui qui va ouvrir la scène sur un nouveau sens possible, sur une direction dont je n'avais pas idée, qui fait qu'on décolle du texte, qu'on le « met debout ». Le metteur en scène dit ce qui lui paraît juste (toujours en rapport à l'enjeu de la scène), et tout naturellement l'acteur entend ce qui est essentiel et ce qui ne l'est pas, il fait lui-même le tri. Il n'est pas besoin de beaucoup parler, je dirai volontairement peu. C'est le plateau qui répond le mieux à nos interrogations, qui dit non à une idée et oui à l'accident. L’économie de mots de part et d'autre est, in fine, profitable à tout le monde.